물고기

마티스 물고기

Pin
Send
Share
Send
Send


작가 HENRI MATISS (1869-1954) 빨간 물고기. 1911

누가 미술관에서이 그림을 본 사람들 중에 누가. 모스크바의 푸쉬킨 (A.S. Pushkin)은 수족관에 튀어 나와있는 밝은 빨간색 강아지 눈의 물고기를 바라 보지 못했다고 생각했다. 무슨 일인데?

Matisse는이 모티프를 10 번 이상 언급하면서 구성, 수족관의 모양 및 색상을 다양한 방식으로 변경했습니다. 예를 들어, 뉴욕의 현대 미술관에있는 그림에서, 그는 캔버스의 왼쪽 가장자리에 물고기를 담은 용기를 밀어 넣고 중앙에 붉은 꽃이 든 꽃병을 놓고 창 옆에 거짓된 여인상이 보입니다. 섬세한 공기 색의 조화 덕분에 사실은 그림이 의자와 같아서 화가에 따르면, 소란과 일을 마친 후 관람자가 가치가있는 것처럼이 일은 그러한 평화로 가득 차 있습니다.

모스크바 캔버스에서 다른 기분을 지배합니다 - 낙천적 인 기쁨, 그리고 그것은 색상으로 만들어집니다. 붉은 물고기는 구성 성분 일뿐만 아니라 그림의 색상 중심이기도하며, 주변의 밝은 녹색 잎은 대조적으로 붉은 반점을 더 밝게 만듭니다. 우리가 마티스를 즉시 알아 차리는 것은 빛나는 색채에 의한 것입니다. 그리고 그 색 덕분에 그의 그림에 대한 묵상은 눈을 향한 축제가되었습니다. 화려한 색의 캔버스를 만든 사람들은 쉽고 구름이없는 것처럼 보이지만 실제로는 그렇지 않습니다. 그의 창의적인 원칙에 충실하고 전문가로서 열리기 위해서는 작가는 많은 어려움을 극복해야했습니다.

마약 뚜껑 "나는 내 그림 속에서 조화와 선명도와 투명성을 얻는 꿈을 꾼다. 나는 고요함과 흥분을 안겨줄 그림을 꿈꾼다. 걱정스런 부담에서 벗어날 수있는 가죽 의자처럼 편안한 그림을 꿈꾼다."
줄무늬 티셔츠 (1906)의 셀프 초상화

Henri Emile Benoit Matisse는 1869 년 마지막 날 프랑스 북동부의 Le Ca-de-Cambresis 마을에서 곡물 및 페인트 상인의 가족으로 태어났습니다. 마티스의 어린 시절은 행복했습니다. 학교를 그만 둔 후, 앙리는 파리에서 법을 공부했습니다. 졸업 증서를받은 후 그는 Saint-Quentin에서 조교 변호사로 일했습니다. 그 일은 마티스에게 무한히 지루한 것처럼 보였습니다. 그의 삶의 전환점은 질병이었습니다. 아들이 맹장염 수술 후 회복했을 때 어떻게 든 아들을 "쫓아 버리기"위해 어머니는 그에게 페인트 상자를 선물했습니다. "내가 글쓰기를 시작했을 때, 마티스는 나중에"낙원에서와 같이 느꼈다 "고 회고했다.
그의 아버지의 허가를 얻은 그는 수도의 예술가에게 가서 1891 년 10 월에 율리안 아카데미에 입학했다. 그의 워크샵을 가진 Adolf Bouguereau와의 관계, Matisse는 잘 풀리지 않았고 조만간 Postau Moreau의 School of Fine Arts로 옮겼다. 그것은 운명이었다. 첫째, 모로 (Moreau)는 우수한 교사로 밝혀졌습니다. 두 번째로, 그의 스튜디오에서, 주목받는 예술가는 미래의 Fauvism 동료 인 Albert-Marcé와 Georges Rouault와 친구가되었습니다.
다이닝 테이블 (1897)

푸른 냄비와 레몬 (1897)

과일과 커피 주전자 (1899)

모로 (Moreau)의 조언에 따라 그는 루브르 박물관의 오래된 주인의 작품을 부지런히 베꼈습니다. 화가의 주요한 것, 즉 색으로 세계에 대한 태도를 표현할 수있는 능력이 젊은 마티스의 영혼에 생생한 반응을 일으킨다 고 믿었던 주인의 생각. 그 당시의 글쓰기 방식은 인상주의적인면에 가깝습니다. 그러나 초기에 숨막히는 색은 점차 힘을 얻었고 심지어 예술가의 작품에서 "감각을 강조 할 수있는 힘"을 보았을 때 독립적 인 의미를 갖기 시작했다.
테이블 요리 (1900)

접시와 과일 (1901)

밤에 노 틀 담의 개요 (1902)

다락방 워크샵 (1903)

그는 현재 마티스에서 살았습니다. 그는 보살핌을 필요로하는 불법 딸을 가졌습니다. 1898 년 아티스트는 Amelie Pereire와 결혼했습니다. 신혼 부부는 런던에서 신혼 여행을 보냈는데, 마티스는 색의 위대한 마스터 인 터너의 작품에 관심을 갖게되었습니다. 프랑스로 돌아 왔을 때, 부부는 코르시카로 떠났습니다 (지중해의 놀라운 색이 화가의 화병에 침입했습니다). 현재 마티스는 Paul Signiac을 만났고 분리주의에 관심을 갖게되었습니다. 그 의미는 순수한 원색의 개별 점으로 된 편지에있었습니다.
셍 트로 페 광장 (1904)

럭셔리, 평화, 휴양 (1904)

1905 년 여름, 마티스는 프랑스 남부 해안에서 보냈습니다. 분단주의의 기술로부터 출발했다. 그의 머리를 가진 예술가는 캔버스에 지금까지는 생각할 수 없었던 색 대비를 창조하기 위해 색으로 실험에 들어갔다. 1905 년 가을 살롱에서 그는 블라민크 (Vlaminck), 드라 인 (Derain) 및 마르쉐 (Marche)와 함께 공연했습니다. 비평가들은 자신들의 사진이 "이교도 적"인 것으로 나타났습니다. Samikh의 작가 L. Voksel은 "야생"이라고 불렀습니다.이 프랑스 단어에서 새로운 예술가의 이름 ( "Fauvism")이 태어났습니다. 그림에서 젊은 혁명가들이 자부심을 가지고 촬영 한 것이 아닙니다.
이 그룹의 팬은 즉시 발견되었습니다. 레오 스타 인 (Leo Stein)과 그의 누이 인 거트 루드 (Gertrude) (유명한 작가)는 마티스 (Matisse)의 "Woman in the Hat"의 감각적 인 그림을 얻었고 Paul Signac은 그의 작품 인 "Luxury, Peace and Pleasure"를 사 왔습니다. Steins는 아티스트와 친구가되었습니다. 이 운명의 우정은 많은 의미가있었습니다. 새로운 친구들은 마티스를 피카소, 젊은이, 영향력있는 비평가 및 러시아 수집가 인 Shchukin에게 소개했습니다. 이 모든 것이 화가의 재정적 상황을 크게 개선했습니다. 그는 Issy-de-Mulino의 새 집으로 이동하여 북아프리카, 스페인, 독일, 러시아를 방문하여 몇 차례 큰 여정을했습니다.
모자에있는 여자 (1905)

마티즈 마담 (1905)

Shchukin은 1909 년 그의 저택 "Dance"와 "Music"에서 Matisse를위한 두 개의 패널을 주문했습니다. 그들에 대한 작업을 통해 작가는 형태와 색의 완벽한 조화를 이뤘습니다. 그는 "우리는 명확하고 명확한 아이디어와 의미를 위해 노력하고있다"면서 "이 댄스는 저에게 3 가지 색상으로 쓰여졌습니다. 푸른 색은 하늘을, 핑크색은 댄서의 몸을, 녹색은 언덕을 나타냅니다."
춤 (1909)

음악 (1910)

전쟁 년 동안 마티스 (나이에 따라 군대에 합류하지 못했던)는 새로운 예술적 영역 인 조각과 조각을 적극적으로 개발했습니다. 그는 니스에서 오랫동안 살았으며 침착하게 글을 쓸 수있었습니다. 그는 점점 아내를 만났습니다. 그것은 일종의 은둔 생활이었고, 예술에 대한 매혹적인 봉사였으며, 이제 그는 자신을 완전히 헌신했습니다. 한편, 예술가의 인정은 오랫동안 프랑스의 국경을 넘었습니다.
모로코 풍경 (1911-1913)

붉은 물고기 (1911)

작가의 아내 초상화 (1912-1913)

이본 랜즈 버그 (Yvonne Landsberg, 1914)

세 자매. 삼부작 (1917)

커피 한잔과 함께 Laurett (1917)

무어 스크린 (1917-1921)

누드 백 (1918)

몬 탈반 (Montalban, 1918)

바이올린 케이스가있는 인테리어 (1918-1919)

블랙 테이블 (1919)

여자 수족관 앞 (1921)

창 열기 (1921)

제기 무릎 (1922)
그의 그림은 런던, 뉴욕 및 코펜하겐에서 전시되었습니다. 그의 아들 인 피에르 (Pierre)는 1927 년 이래로 아버지의 전시회 조직에 적극적으로 참여했습니다. 한편, 마티스는 새로운 장르에서 자신을 시도했다. 그는 Mallarme, Joyce, Ronsard, Baudelaire의 책을 보여 주었고, 러시아 발레단 제작을위한 의상과 풍경을 만들었습니다. 작가는 여행을 잊지 않고 미국을 여행하고 타히티에서 3 개월을 보냈다.
1930 년 알버트 반즈 (Albert Barnes)에게서 필라델피아 근교의 메리온 (Merion)에있는 반 소프 (Barnsov) 그림 컬렉션 건물을 장식하기로되어있는 벽화를 주문 받았다. 마티스는 다시 그림의 테마를 선택했습니다 (20 년 전 Shchukin에서 일했던 것처럼). 그는 유색 인종의 종이로 거대한 인물을 잘라 내고 거대한 캔버스에 고정시켜 가장 표현력 있고 역동적 인 구성을 찾아 냈습니다.
춤 (1932-1933)

2 차 세계 대전이 시작된 이래, 마티스는 거의 브라질에 갔지만 (비자는 이미 준비가되었지만) 결국 마음이 바뀌었다.
핑크 누드 (1935)

1940 년에, 그는 공식적으로 아멜리에와 이혼했으며, 얼마 후 위암으로 진단 받았다. 아티스트는 두 가지 매우 복잡한 작업을 수행했습니다. 오랫동안 마티스는 몹시 was. 거렸다.
Delektorskaya (1947)의 초상화

병든 마티스를 돌본 간병인 중 한 명은 모니카 부르주아였습니다. 수년 후에 다시 만났을 때, 마티스는 그의 친구가 결핵에 걸렸다는 것을 알게되었고, 그 후 그는 밴스에있는 도미니코 수도원의 자크 - 마리 (Jacques-Marie)라는 이름으로 베일을 벗었습니다. 자크 - 마리 (Jacques-Marie)는 예술가에게 묵주 예배당 (Chapel of the Rosary)의 스테인드 글라스 창 스케치를 바로 잡으라고 요청했다. 마티스는 자신의 입장을 통해이 요청에서 "참으로 하늘에 계신 디자인과 어떤 신성한 표시"를 보았습니다. 예배당의 디자인, 그는 자신을했다.
Vance (1950)의 묵주 예배당 내부

오달리스크
마티스의 동부에 대한 관심은 오달리 스 (Odalis, harems의 거주자)를 묘사하는 일련의 그림들을 창조하도록 지시했다.
빨간색 바지에 오달 리스크 (1917)

오달리스크 (Odalisque, 1923)

녹색 스카프가 달린 오딜 리스크 (1923)
오달 리카, 빨간 조화 (1926)

소파에 Odaliski (1928)

오달리스크 (Odalisque, 1928)

투명 스커트에 Odaliski입니다. 흑백 리소그래피 (1929)

재즈
1947 년 마티스는 유명한 재즈 뮤지션 인 루이 암스트롱과 찰리 파커의 시각적 인 유사점 인 "재즈"라는 "색과 리듬의 즉흥 연주"앨범을 모으겠다고 제안했습니다. 그 작업을 진행하는 동안 아티스트는 슈슈, 서커스 광대, 체조 선수 및 카우보이에 대한 어린 시절의 추억을 되 살리고 "활기찬 색으로 조각 조각"과 구 아슈 색의 종이 시트에서 인물을 잘라 냈습니다.
한 쌍의 가위는 색, 모양 및 공간의 실제 문제를 해결할 수있는 도구가되었습니다. "종이의 실루엣"마티스는 "순수한 색으로 쓸 수있는 기회를 제공합니다.이 단순성으로 정확성을 보장 할 수 있습니다. 이것은 소스로 돌아 가지 않아서 검색의 마지막 지점입니다."
이카루스 (1947)

서커스 (1947)

말, 라이더 및 어릿 광대 (1947)

썰매 (1947)

니스
처음으로 Matisse는 1917 년 Nice에 도착하여 즉시이 도시와 사랑에 빠졌습니다. 예술가는 지역의 빛에 "절대적으로 매료 되었어요. 마티스는 그의 친구들 중 한 사람에게 한 번 고백했다. "나는이 세상의 한가운데서 일어날 수 있다는 것을 깨달았을 때 나는 행복으로 죽을 준비가되어 있었다. 파리에서 멀리 떨어진 니스에서, 나는 모든 것을 잊고, 평화롭게 살며 자유롭게 호흡한다. .
마티스 작품에서 전체 기간으로 인해 니스에 머무르기 - 가장 유익한 것 중 하나. 여기서 그는 50여 개 이상의 그의 오다리 소크를 비롯하여 많은 가정의 장면과 창에서 바라본 일련의 견해 (예 : "The Woman at the Window")를 썼습니다.
인테리어, 니스 (1919)

창문 (1924)의 여성

여성용 종이
그의 생애 마지막 몇 년 동안 마티스는 실험을 그만 두지 않았습니다. 그의 다음 열정은 종이로 자른 인물들에 의해 "그림"이었다.
줌라 (Zumla, 1950)

처음으로 마티스는 1906 년 북 아프리카를 방문했다. "자신의 눈으로 사막을 보러." 1912 년에 그는 두 번 거기를 여행했다. 모로코에 처음 여행하기 수년 전에, 예술가는 파리에서 전시 된 아프리카 조각품에 깊은 인상을 받았습니다. 1910 년에 그는 뮌헨의 이슬람 예술 전시회를 방문했고, 나중에이 나라의 문화에서 "무어의 흔적"을 찾기 위해 스페인을 여행했습니다.
모리코 (Tangier에서 살았던)에서의 오랫동안 머무는 동안 마티스는 북아프리카의 자연과 색채에 매료되었습니다. 여기서 그는 유명한 그림 인 "창에서 바라본 전망"과 "카자 바 입구"를 그렸습니다.
창에서보기 (1912)

카자 바 (Kazba) 입구 (1912)

삶의 즉각적인 경험을 가져라.
"예술가의 중요성은 그가 플라스틱 언어에 도입 할 새로운 징후의 수에 의해 측정됩니다"라고 Matisse는 말했습니다. 예술에서 빈 공간이 아니라는 것을 자신에게 아는 예술가가 그러한 격언을 발췌 할 때, 그는 그의 작품에 대해 우선적으로 말합니다. 질문 : 마티스 자신이 소개 한 플라스틱 언어의 새로운 표지는 무엇입니까? 그리고 많은. 그의 회화가 외형 적으로 단순하기 때문에 때때로 이것을 볼 수 없을 것입니다.
바다 풍경 (1905)

창 (1905)

여자와 인테리어 (1905-1906)

앙드레 Derain (1905)의 초상화

실존의 행복 (삶의 기쁨) (1905-1906)

Collioure (1906 년)에있는 바다

안락 의자 누드 (1906)

집시 (1906)

동양 카펫 (1906)

선원 II (1906-1907)

럭셔리 I (1907)

블루 누드 (1907)

음악 (스케치) (1907)

쇼어 (1907)

빨간 줄무늬 드레스 마티즈 마담 (1907)

푸른 색조의 정물 (1907)

그레타 몰 (1908)

볼링 (1908)

블루 식탁보 (1909)

화창한 풍경의 누드 (1909)

'댄스'(1909)로 정물화

대화 (1909)

사 티어와 요정 (1909)

검은 고양이 소녀 (1910)

붉은 물고기 (1911)

꽃 및 세라믹 후판 (1911)

스페인 정물 (세빌 II) (1911)

가족 초상화 (1911)

마닐라 숄 (1911)

가지 (1911-1912)의 인테리어

인테리어에 붉은 물고기 (1912)

Nasturtiums와 댄스 (1912)

파란색 창 (1912)

앉아서 리프 인 (1912-1913)

아랍 커피 하우스 (1912-1913)

오렌지와 함께 아직도 인생 (1913)

노트르담 (1914)의보기

분지와 붉은 물고기가있는 실내 (1914)

옐로우 커튼 (1914-1915)

셍 - 미셸 제방 (1916)에있는 스튜디오

검은 배경에 녹색 Laurett (1916)

하얀 터 번에 Laurett (1916)

창 (1916)

머리가있는 정물 (1916)

모로코 (1916)

음악 레슨 (1917)

로렌 의자 (1919)

그림 수업 (1919)

셔터 (1919)

누드, 스페인 카펫 (1919)
h
앉아있는 여자 (1919)

여자는 소파에 (1920-1922)

파란색 베개에 누드 (1924)

사진이있는 인테리어 (1924)

누드 누드 (1924)

장식의 배경에 장식 그림 (1925-1926)

의자에 누드 (1926)

발레리나, 녹색 조화 (1927)

레이디 인 블루 (1937)

음악 (1939)

에트루리아 사람 vaza (1940)를 가진 실내

레다와 백조 (1944-1946)

내부는 빨간색입니다. 블루 테이블 (1947)에 정물화

이집트 커튼 (1948)

출처 : anrimatiss.ru, smallbay.ru, staratel.com.

Pin
Send
Share
Send
Send